These New Puritans - Hidden

Calificación: 2.5/5

Con una semana de retraso me encuentro escuchando el nuevo albúm de These New Puritans: Hidden. Hace poco eran una banda decente, con demasiadas referencias vocales a Mark E. Smith y percusión al estilo del Drum'n'Bass (como sea que se llame esa cosa). Ahora han vuelto después de tres años de silencio y como de la nada la prensa comienza a coronarlos con laureles en sus cabezas por haber seguido una vena 'experimental' con el nuevo disco. ¿Escepticismo? Sí y bastante.

Trompetas funereas empiezan como introducción al albúm en 'Time Xone', las cuales no estarían fuera de lugar en alguna película histórica que tratase sobre el Imperio Romano. La música tiene sus toques de Jazz y música Neo-clásica. Suena bastante interesante, ¿un buen comienzo?, definitivamente, aunque en partes me acuerde un poco a The National por alguna razón extraña.

La gran decepción a continuación: 'We Want War', en donde se mezcla el electro-reggaeton de la década pasada con ambientes sacados del tibet y percusión japonesa. Las trompetas drámaticas se encuentran presentes en los pasajes más 'interesantes' por así decirlo de este desastre, especificamente el pasaje que dura del minuto 3:47 en adelante (demostrando que tienen algún potencial 'escondido' bajo las mangas). Se puede oler a la distancia el veneno de Flowers of Romance, Scott Walker y Liasons Dangereuses, aunque diluido considerablemente para adaptarlo a la siguiente pasarela de Prada o el siguiente blockbuster de Jet-Li.

¿Podría ponerse peor? Afirmativamente, con 'Three Thousand', una canción Electro R&B espantosa que no estaria fuera de lugar en un cumpleaños de una quinceañera. ¡Oh que tipos tan arriesgados dios mio, haciendo canciones que se puedan tocar en compañía de 50 Cent! Pfff

Le sigue 'Hologram', una pequeña cancioncita de pop construida a base de puras campanillas y pianos al estilo jazz, con la pesada percusión que persigue durante todo el albúm. Si tuviera que comparar esta canción con algún artista pasado (tranquilos, siempre lo haré, es mi manía), sería The Pop Group, claro está, si The Pop Group se hubiera vuelto infiel a sus conceptos iniciales y hubiera grabado esta canción en 1986.

No vale la pena hablar de 'Attack Music', una canción de mal gusto que sonoramente equivale a la mutilación del post-punk. Reggaeton 'avant-garde' con un coro de niños y sónidos de espadas desenvainandose (que también aparecen en el segundo track).

La música de 'Fire Power' ligeramente llama mi atención, la cual tiene rezagos del pasado agrésivo de la banda, aunque ya bastante repetitivo con respecto a la percusión. 'Orion' es una canción de "electro oscuro", que se encuentra de vuelta al concepto de pelicula de artes marciales, se agitan cadenas furiosamente, se repite el coro de niños fantasmal, los tambores japoneses se llenan de polvora y son pateados con rabia para que impacten directamente a los enemigos. Aún así, me parece que se repiten se repiten se repiten se repiten, oh, ¿acaso les dije que se repetian? Bueno, no importa, porque 'Canticle' es como una versión alternativa de Time Xone, aunque nada mal para ser una versión alternativa.

El instrumental de Canticle lleva como forma de introducción a 'Drum Courts-Where Corals Lie', la canción más 'oscura' del set y al parecer una pieza central del albúm. Se susurra de manera perturbadora el poema 'Where Corals Lie' de Richard Garnett sobre varios overdubs de batería que han sido alterados para que suenen como drum-machines. Se oyen teclados estilo rayo-laser en el fondo (que también suenan como parte de la banda sonora de Pac-Man) y muy al principio un rasguido de guitarra que me acordó de Daniel Ash. Se escuchan también, canticos tibetanos pasados a través de algún 'sampler' extraño y se le van agregando lentamente partes más melodicas, sónidos de un monedero siendo agitado, clarinetes y trompetas. Todo colapsa eventualmente en silencio sin que haya algún tipo de señal o anuncio.

Es cómo si un compositor cogiera un disquette rayado en donde se contuvieran imágenes de corales y que este compositor compusiera una banda sonora a partir de lo que se presentaba al insertar este disquette en un Macintosh a punto de sobrecalentarse. Ojalá haya sido claro.

Luego les da a estos tipos por sonar como The XX para el track 'White Chords'. Como si no fuera suficiente el hecho de que ya odie a The XX.

Finalizamos con 5, una canción modernista especificamente escrita para un circo caótico. Es bastante interesante, siendo una de las canciones que siguen demostrando que aún hay cosas que rescatar de esta banda y especificamente de este albúm. Tiene partes a la Steve Reich, al igual que un coro de niñas adolescentes y un breve suspiro vocal que da paso a trombones y trompetas aún más lugubres que antes, las cuales se encargan de sacar a patadas al visitante.

(Ningún miembro de Pitchfork.com fue mutilado durante la realización de este escrito)

Siouxsie and the Banshees - The Scream

Calificación: 4/5

Entonces llegó The Scream a finales del año 78' y nadie estaba completamente preparado para los sónidos que se encontraban adentro. Estamos hablando de la banda Siouxsie and the Banshees pre-Budgie y pre-John McGeoch, con John McKay en la guitarra y Kenny Morris en la batería. Es una banda completamente distinta, más primal, agresiva, ruidosa, perturbante y obsesionada con el terror psicólogico de Hitchcock.

Despegamos con el track Pure, que se encuentra entre la oscuridad de Can en sus primeros estadios y Ash Ra Tempel: es una improvisación corta y caotica, con bastantes tonos germánicos. La guitarra de McKay invoca las energías psicodelicas de Michael Karoli, mientras que el bajo de Steven Severin se escurre como arena movediza. Las vocales de Siouxsie se vuelven dadaistas, se encuentran recortadas y superpuestas por todos lados mientras que la bateria de Morris se muestra silenciosamente amenzante, entre la luz apagada, sin liberar tensión alguna.

Una vez se logra desorientar al oyente se escucha el bajo disonante y lejano de 'Jigsaw Feeling', anunciando la marcha creciente y galopante de los tambores que recuerdan a alguna campaña de guerra al estilo de Ghengis Khan. La guitarra se vuelve brutalmente filuda y metálica (Keith Levene?), cada vez más ruidosa, cada vez más ruidosa...entra la voz teutónica de Siouxsie, que acuerda a Nico, Grace Slick y Bryan Ferry, todos al mismo tiempo. Se convierte en una pesadilla sonora, un canto del infierno: "one day I'm feeling total, the next I split in two...my brain is out of my head, there's nothing to prevent, the impulse is quite meaningless".

Las personalidades duales de Siouxsie son aulladas, sin ton ni son ni merced alguna y sin que a alguien le importe un carajo. Le sigue a este ataque, el minimalismo seco y ácido de Overground, que comparte la misma consciencia de contemporaneos como Wire. La lentitud con la que es entregada aburriría a más de un Punk de la epóca, que le hubiera importado más la rapidez del tempo que la letra de esta canción (anti-conformista en toda su esencia).

Carcass, es una canción más convencional, pero llena de horror en sus palabras, un cuento canibalistico que puede ser tratado de distintas maneras. Desde mi perspectiva puede ser sobre la vista de la mujer como un pedazo de carne o la de un carnicero que mata a personas en su pasatiempo para luego venderlas en su tienda. "Mother had her son for tea" : Es la que menos me gusta.

El bajo estático de Severin anuncia una vez más que estamos lejos de la seguridad. 'Helter Skelter' es una versión brutal muy distinta a la que alguna vez imaginaron los Fab Four y muy seguramente la versión que el demente de Manson alguna vez escuchó en su cabeza. Siouxsie, McKay y Morris se convierten una unidad glacial, y monotona cuando entran con la letra: 'When-I-get-to-the-bottom-I-go-back-to-the-top-of-the-slide'. De repente se convierte todo en un frenesí disonante, enérgico y lleno de adrenalina que definitvamente llega a su climáx cuando Siouxsie llena de odio grita 'Well you may be a lover but YOU AIN'T NO FUCKING DANCER!!!'

Excelente.

Sigue la balada psicódelica-punk de 'Mirage', un vórtice robotico, bastante pegajoso, que me imagino bailarian algúnos turistas delirantes en algún oasis en medio del desierto. Por cierto, tiene guitarra acústica, algo bastante anticuado para la epóca. Pienso que los Banshees expandirian los sabores pop/psicódelicos de 'Mirage' más tarde con la canción 'Christine'.

Después de otro momento más 'ligero', viene el ballet mecánico de 'Metal Postcard (Mittageisen)'. De seguro la más conocida de Siouxsie and the Banshees para cualquier fánatico del post-punk. Es una canción anti-fascista contada desde el punto de vista de uno de esos mismos muñecos de cuerda que hacen parte del Estado, Siouxsie siendo acompañada por un arreglo igual de robotico (ponganle atención a la percusión de Morris, que cumple de manera tremenda este papel). Afirmo con toda seguridad que esta canción sigue muy vigente hasta el día de hoy en que escribo esto (y otros más que seguirán).

De las más accesibles, 'Nicotine Stain' es la mejor, inmediatamente pegajosa y agresiva, aunque se encuentre más por los lados del Glam y alguna canción encontrada en el debut de PiL unos meses más tarde. Letra cortante y critica sobre la adicción al cigarrillo:

'...I’m so congested, Cos' north, south, east and west, Catarrh rests on my chest, Congealed and twisted, Cough up and shift it, But I can feel my lungs collapse, Sinking deep into my lap, I’m so useless.'

'Suburban Relapse' muestra temas recurrentes en varias letras de Siouxsie Sioux sobre el estilo de vida familiar y el rol de la mujer automatica en la sociedad como ama de casa. Las letras fueron inspiradas por la novela Stepford Wives. Esta es otra de las mejores canciones del disco y en donde cada vez más se hace evidente la influencia de Roxy Music (con saxo y todo caballeros). 'I was washing up the dishes, and minding my own business when my strrrriiiing SNAPPED!'. Paranoia y urgencia juntadas de manera perfecta. Morris decide pegarle primalmente a los patillos en cuanto se acelera la marcha y McKay no hace esfuerzo alguno en tratar de matizar su guitarra para la canción: suena tan brutal y oxidada como en todo el disco.

Finalizamos este viaje con 'Switch', una canción que marca casi los siete mintuos y que se muestra una versión embryonica del sónido de Siouxsie and the Banshees para el albúm 'Juju'. De manera extraña, McKay ha calmado sus tonos metalicos, por medio de efectos y la banda se convierte cada vez más fragmentada en sónido, mostrando todos los huecos de los espacios. El saxo es más prominente que en la canción anterior, la agresividad es lentamente apagada y nos encontramos más en un oscuro e inestable sueño simbolista que en una pesadilla.

No hay nadie que nos ayude en este momento, se huele la derrota y observamos como el mundo se consume en una versión digna de aparecer en un libro de Aldous Huxley. Los cientificos finalmente llevan a cabo los malignos sueños de aquellos a los que hemos temido durante tanto tiempo, y es inevitable lo que vemos, no lo podemos creer. Han creado el interruptor para apagar a toda la humanidad...y para apagar a las marionetas interpretes. Hemos dado fin a la visión.

Yeasayer - Odd Blood

Calificación: 2/5

Esta es una de las razones por las cuales odio una gran cantidad de música de hoy en día, el primer track 'The Children' es una canción irritante recitada en vocoder y con sónidos que recuerdan a lo más 'colorido' de Pet Shop Boys. El sencillo del albúm es el track 'Ambling Alp', con sónidos aguados y submergidos en el cliché del pop ochentero de finales de la decada pasada. Uno se pregunta que carajos será tan 'experimental' de esto, ¡si es la misma cosa que Erasure estaba haciendo hace 20 años atrás! Me irrita profundamente, especialmente cuando la canción es acompañada por el horrendo video. Es una canción decadente, no del mismo tipo músical pero sí de la misma vibra psico-sexual de la patetica muñeca inflable Lady GaGa.

Luego sigue el corte más decente, 'Madder Red', una canción que se encuentra entre Krautrock, Men Without Hats y Beach Boys todo al mismo tiempo. Y los 'ganchos' de la canción se parecen demasiado a 'Linkin Park', demostrando lo que tan lejos que hemos llegado músicalmente al final de la decada. Ya estoy aburriendome por los sónidos de estos malditos sintetizadores primitivos, siendo 'I Remember' una narración de algún follón extrañoide, 'ONE' una canción de pawp a la Thompson Twins y 'Love Me Girl' un sobrino cercano a 'One More Chance' de Bloc Party, sólo que más espontaneo...digo, ¡espantoso!

Creo que lo que me despertó despues de una corta siesta escuchando este albúm fue el disparo al principio de 'Strange Reunions'. En resumen: un intento mediocre de encajar en las tendencias músicales del momento, aunque si les encanta el sónido 'indie' yuppi-esco de los últimos dos años o el electropop, tal vez les guste.

The Velvet Underground - The Velvet Underground & Nico

Calificación: 4.5/5

Tal vez pueda ser mi ego el que se presenta como obstaculo para esta critica, pero creo que el albúm debut de Velvet Underground ha pasado de ser un albúm influencial a ser uno mitico, más referenciado en la actualidad que escuchado como pieza completa. Diria que es algo muy parecido a lo que sucede cuando muchos de mi generación citan a Edgar Allan Poe, sin haber hecho el ejercicio alguno de haber repasado algunas de sus obras o simplemente imaginandose el terror presentado en el ultra-famosisimo 'El Cuervo'.

En parte creo que este comportamiento maniatico de citar a 'The Velvet Undergound & Nico' en todas las malditas partes y a toda maldita hora sin siquiera saber el contenido de este albúm es bastante 'snobista' y en parte ese 'snobismo' fue el responsable de que yo en un principio rechazara la música maravillosa encontrada bajo la sombra del vacío 'Pop Art' de la portada. Sinceramente, si ya me están odiando por lo que estoy escribiendo en este momento, no es sorpresa...igual que creo que es demásiada chachara para comenzar mi primera critica.

En resumen, este albúm que antes era considerado como 'escandaloso' e 'inescuchable', ha pasado a ser parte del canon monolitico de la historia del rock y su impacto reducido gracias a la promoción exagerada de este (en parte por lo mencionado arriba), pero si escucharamos sin preconcepto alguno la música de este albúm y nos pusieramos en el contexto histórico en el que fue grabado, podremos entender más claramente porque se le tiene en tan alta consideración (o tal vez lo contrario) cuarenta años después de su grabación.

Comenzamos con 'Sunday Morning', una canción de cuna eterea, suave y melódica, que a pesar de sonar inocentemente dulce y melosa tiene algo que realmente no cuadra, algo incomodo que se presenta detrás de las sombras. Es perfectamente complementada por la guitarra que se confunde en el fondo con la viola de John Cale, y las perversas vocales de Lou Reed. Le sigue el ataque frénetico de 'I'm Waiting for the Man', energicamente pre-glam/punk en ambas partes, una canción callejera sobre el proveedor personal de droga de Lou Reed y de todo el Mundo que ha sido adormecido por el caos guerrerista de la sociedad, los que han buscado refugio en medio de la trinchera, en medio de la decadencia de la 'revolución' hippie. Son progresiones bastardizadas del blues ambas representadas y violadas brutalmente en el piano y la guitarra.

'Femme Fatale' es una balada fragmentada sobre una prostituta de clase alta (o de una mujer ninfómana y tal vez despiadada) en donde se escucha por primera vez la voz helada y teutónica de Nico recubierta por una guitarra frágil y casi atonal. Nico se dedica más a narrar de manera perturbante y a la vez descarada la historia que a cantar de manera formal. Luego sigue mi corte favorito, 'Venus In Furs', una canción funerea, tensa y absolutamente gótica en todo el sentido de la palabra. Es acompañada por la simple y tribal percusión de Moe Tucker (copiada subsecuentemente en bastantes oportunidades), las vocales desgarradas y cansadas de Reed, la viola estilo-trituradora de Cale y varias guitarras electricas infernales. Esta canción es otro cuento de decadencia: la dominación sexual, sirviente y ama, latigo de cuero y castigo.

Luego le sigue 'Run, Run, Run', un frénetico blues destemplante por medio del filtro de un amplificador al máximo de distorsión, que narra una persecución por las calles de Nueva York, al acecho de los violadores, ladrones y demás lagañas que se encuentran justo a la vuelta de la esquina. 'All Tomorrow's Parties', es la segunda participación de Nico, otra canción de estilo funereo, turbia, lenta e hipnotizante que efectivamente puede ser la banda sonora para una fiesta que eventualmente terminará mal: con varios muertos y agujas en las mesas...y hablando de agujas está la magnifica 'Heroin', la cual suele ser un favorito de los frivolos-bohemios-con-cigarrillo-en-mano, porqué creen que es terriblemente sexy la manera en que Lou Reed 'glamoriza la drogadicción'. Personalmente creo que la letra trata de algo mucho más oscuro y que va mucho más allá de la droga en sí: la heroina presentada en esta canción puede ser cualquier cosa que nos haga entumecernos para evitar pensar, para evitar cuestionar la realidad, para falsamente 'sentirnos mejor'.

"Because when the smack begins to flow
I really don't care anymore
About all the Jim-Jim's in this town
And all the politicians makin' busy sounds
And everybody puttin' everybody else down
And all the dead bodies piled up in mounds"

'There She Goes Again' y 'I'll Be Your Mirror' son dos canciones con un éstilo más melodico, aunque en la primera se vislumbra a los decadentes de Roxy Music rodeados de muñecas plásticas y en la segunda Nico se suaviza y toda la banda baja la velocidad de sus motores. 'The Black Angel's Death Song' es visceral, caotica y amenazante, pre-punk pero también bastante sombría. La viola de Cale en esta oportunidad suena más atonal que nunca.

El disco acaba con el semi-improvisación de 'European Son', la cual comienza con acordes que parecen ser los mismos que después usarían 'The Monochrome Set' casi 20 años después, seguida de un ruido de una mesa siendo arrastrada por el piso/aspiradora/plato rompiendose antes de que las guitarras se dividan entre dos canales de audio, cada una tocando algo completamente distinto a la otra con eventuales embestidas de distorsión a todo volumen en el canal izquierdo y la bateria sonando más como una conga fuera de ritmo al no poder llevarle el paso a los demás. Todo finaliza con un glorioso caos de ruido...